Jane Eyre | Película de 2011 y miniserie de la BBC (2006)

Jane Eyre es uno de los grandes clásicos de la literatura universal y como tal, el número de adaptaciones que se han hecho de ella es bastante importante. Yo os traigo en concreto las dos que he visto últimamente, que justamente son las dos más recientes que se han hecho. Pero antes os dejo una breve sinopsis por si alguien no sabe de qué va la historia.

Dueña de un singular temperamento desde su complicada infancia de huérfana, primero a cargo de una tía poco cariñosa y después en la escuela Lowood, Jane Eyre logra el puesto de institutriz en Thornfield Hall para educar a la hija de su atrabiliario y peculiar dueño, el señor Rochester. Poco a poco, el amor irá tejiendo su red entre ellos, pero la casa y la vida de Rochester guardan un estremecedor y terrible misterio.

Título: Jane Eyre
Año: 2011
País: Reino Unido
Director: Cary Joji Fukunaga
Reparto: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Judi Dench, Jamie Bell, Sally Hawkins,Simon McBurney, Imogen Poots, Holliday Grainger, Tamzin Merchant, Valentina Cervi, Harry Lloyd, Craig Roberts, Sophie Ward
Género: Romance. Drama | Drama romántico. Drama de época. Siglo XIX




Esta es la última adaptación que se ha hecho de la mano de Cary Joji Fukunaga. He leído bastantes opiniones antes de escribir esta reseña, desde que es aburrida y carente de ritmo hasta que es la mejor adaptación que se ha llevado al cine de la obra de Charlotte Brönte. ¿Mi opinión? Pues que ni lo uno ni lo otro.

Como adaptación me ha parecido un tanto floja. No porque no añadan pelos y señales del libro (ya sabéis que no suelo tener problema con eso), sino porque creo que sí se saltan detalles que son importantes para entender la historia o al menos para completarla, sobre todo si el espectador no ha leído previamente la obra original. Me da la sensación de que esta película se centra más en los detalles, en transmitir una sensación de belleza escénica ya sea con los escenarios o con pequeñas planos que en sí no aportan nada a la historia. Gran parte del encanto de Jane Eyre es ese ambiente de misterio que rodea a Thornfield Hall y que creo que se sabe reproducir durante la primera mitad de la película. La casa es un lugar grande y oscuro, un poco a semejanza de su dueño, el señor Rochester. Y por si fuera poco, todo ello acompañado de la música de Dario Marianelli, que ya compuso las BSO de Orgullo y Prejuicio, Anna Karenina o Expiación.

La forma de narrar la historia mediante flashbacks me ha gustado y me ha parecido acertada. Es la primera adaptación en utilizar este recurso y tengo que decir que da buen resultado. Para alguien que no conoce la historia, el principio crea bastante curiosidad por saber el pasado de Jane. En general no me quejo del ritmo de la cinta, aunque sí que es cierto que hubo partes que me parecieron bastante precipitadas, como el romance entre Rochester y Jane o el final.

Finalmente, me gustaría hacer una mención especial de los dos actores protagonistas, Mia Wasikowska y Michael Fassbender. Ella me ha gustado mucho, creo que ha sabido retratar a la Jane de ideales firmes que no se deja subyugar por nadie. El que no me convenció tanto fue Fassbender como Rochester, sobre todo después de ver el trabajo que hizo Toby Stephens en la miniserie de la BBC.

Título: Jane Eyre
Año: 2006
País: Reino Unido

Director: Susanna White

Reparto: Ruth Wilson, Toby Stephens, Francesca Annis, Christina Cole, Lorraine Ashbourne,Pam Ferris, Tara Fitzgerald, Aidan McArdle, Georgie Henley
Género: Romance. Drama | Drama romántico. Drama de época. Siglo XIX

Por otra parte tenemos la miniserie de la BBC. Sobra decir que como buena serie de esta cadena la producción es muy buena, desde ambientación y vestuario hasta el elenco de actores escogidos. Tampoco hace falta que diga que, con cuatro capítulos de una hora cada uno, es una serie bastante fiel a la novela. Todos los detalles que me faltaron en la película de 2011 están aquí (incluso más) y se tiene más tiempo para conocer a los personajes y hacerse una idea más exacta de su personalidad. Se dan a conocer hechos que en la otra se mencionan de pasada y eso le da más profundidad a los personajes.

El papel que hace Toby Stephens (que resulta que es hijo de Maggie Smith aka McGonagall) me ha gustado muchísimo. Es una mezcla entre sarcasmo, mal humor y tormento, y con él sí me ha dado la sensación de estar viendo al Rochester del libro. Por su parte, Ruth Wilson hace un buen papel de Jane y le da un toquecito personal, haciendo a esta Jane un poco más transparente (¿más expresiva?). Me gusta que en cada adaptación los personajes, a pesar de ser los mismos, tengan algo característico que los diferencia de los demás.

En definitiva, si estáis buscando una adaptación fiel al libro y con buenas actuaciones, tenéis que ver la miniserie. La película está bien para volver a la historia de Jane Eyre, pero la fidelidad no una de sus prioridades. A cambio, cuida mucho el aspecto técnico y se hace agradable de ver. ¿Qué opináis vosotros?

Y hasta aquí llega la entrada de hoy. Tengo pensadas las siguientes entradas (dos reseñas, la crónica del Celsius, etc), pero no sé cuándo voy a disponer de tiempo (e internet) para escribirlas. Pero volveré.

Trilogía de El Hobbit

El Hobbit

Un viaje inesperado (2012)

La desolación de Smaug (2013)

La batalla de los cinco ejércitos (2014)

País: Estados Unidos

Director: Peter Jackson

Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans, Orlando Bloom, Aidan Turner, Evangeline Lilly, Lee Pace, Ryan Gage, Ken Stott, Graham McTavish, James Nesbitt, Jed Brophy, Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Billy Connolly, Christopher Lee, Stephen Fry, Ian Holm, Sylvester McCoy, Manu Bennett

Género: Fantástico. Aventuras. Acción | Espada y brujería.

No he querido hacer ninguna reseña de El Hobbit porque quería esperar a ver las tres entregas antes de atreverme a decir nada. Y ahora, con La batalla de los cinco ejércitos recién vista, ha llegado la hora. Damas y caballeros, bienvenidos a El Hobbit (o Cómo Peter Jackson sucumbió al Mal del Dragón, su otro nombre menos conocido).

Antes de nada quiero aclarar que no soy exigente a la hora de ver una adaptación de un libro en el cine. No me importa que se cambien cosas siempre que se respete la coherencia y el alma de la historia. No me importa que se inventen personajes o que metan escenas que no existen. Por algo es una adaptación a la gran pantalla. No puedes esperar que algo que funciona en un libro funcione también en una película. Sabía que Jackson iba a hacer una adaptación un tanto libre de El Hobbit y me pareció bien. Después de todo, Jackson es el responsable de la trilogía de El señor de los anillos y con ella había demostrado de lo que era capaz. Lo único que no me convencía de todo esto era que se fueran a hacer tres películas y no una o dos como se propuso en un primer momento, pero decidí darle un voto de confianza al señor Jackson.

Cuando vi Un viaje inesperado todavía no había leído el libro y me pareció una buena película. No al nivel de ESDLA (cosa que creo que nadie esperaba, por otra parte), pero sí con un toque de aventuras y fantasía, entretenida y simpática, sin el tono oscuro y adulto de ESDLA aunque con sus partes épicas (¿he de mencionar la escena de Misty mountains o la parte final de Azog, Thorin y Bilbo?). Era una forma de reencontrarse con la Tierra Media de la mano de Bilbo Bolsón, el protagonista de una historia que en un principio había sido creada para niños. Como ya he dicho, la película me encantó y disfruté muchísimo con Thorin y su compañía. Luego me leí el libro y vi las cosas que Jackson había añadido (la persecución de Azog, la lucha al final entre Thorin y el orco, etc, etc). Todo me pareció muy acertado, pues plasmar tal cual la historia de Tolkien habría quedado muy aburrido. En definitiva, Bilbo iba a vivir una aventura, y nosotros con él.

 
Después llegó La desolación de Smaug. No me pareció tan buena como la primera, pero también disfruté bastante. Aunque se notó un montón que Jackson la alargó y alargó metiendo escenas que perfectamente podría haberse ahorrado (y que no aportaban nada a la ya diluida trama), se siguió notando la esencia del libro con pasajes como el de la casa de Beorn (cuya caracterización me pareció horrible, por cierto), el de Mirkwood o la gran conversación entre Bilbo y Smaug ya en Erebor. No me importó el sosillo romance entre Kili y Tauriel (y la recién estrenada friendzone de Legolas) ni el relleno en Ciudad del Lago o la surrealista escena de los barriles. Ni siquiera los exagerados efectos especiales que le quitaban naturalidad a la película. Estaba dispuesta a perdonar todo eso porque la parte en la que llegaban a la Montaña Solitaria lo compensaba todo. Aun así, la cosa ya empezaba a oler a chamusquina. ¿Dejar para una sola película la Batalla de los Cinco Ejércitos? ¿Había sucumbido Peter al mal del dragón?

Finalmente, me senté en mi butaca un día de diciembre de 2014 con la esperanza de ver un final apoteósico, una tercera película que pondría el broche final al viaje a la Tierra Media. Una película que habría de ser épica y que nos recordaría por qué le debemos tanto a Jackson. El trailer ya parecía anunciar que estábamos ante un gran final. Entonces... ¿qué puñetas falló?¿Qué te pasó, Jackson?

CONTÉSTAME, PETER

La batalla de los cinco ejércitos es el desastre absoluto, el cataclismo que destruye la carrera de su director. Tiene delito. Tiene mucho delito decir que esta película pertenece al universo de la Tierra Media. La verdad es que no sé ni por dónde empezar. ¿Qué haces cuando una película te decepciona tanto?

A partir de aquí va a haber spoilers de la película. Avisados quedáis.

Al salir del cine tenía clara una cosa: la película me había parecido una tomadura de pelo. Donde se supone que tendría que haber habido una gran batalla por el destino de Erebor se suceden escenas surrealistas y a cada cual más absurda. Increíbles en el peor sentido, imposibles de tomar en serio. Tenemos a Bardo montando en un carro cual Ferrari, a un enano matando orcos a cabezazos, a Bilbo matándolos a pedradas, a Legolas siendo poseído por el espíritu de Super Mario, a unas cabras gigantes surgiendo de la nada en medio de la batalla... ¿Tengo que seguir? Las otras películas también tenían escenas de estas, pero al menos se notaba que iban con un toque cómico. Aquí, intentando que parezcan normales, logran el efecto contrario, que es que te preguntes si de verdad estaban haciendo una película seria.

Por otra parte, personajes de la talla de Bilbo o Gandalf desaparecen de su propia película (y parecen espontáneos cuando salen) mientras se le da protagonismo a un personaje que no hace más que tocar las narices, que es Alfrid el consejero. ¿Hacía falta darle minutos para demostrar que la avaricia está mal? Ni siquiera Smaug, pilar de la promoción de toda la trilogía, enemigo acérrimo de los enanos, tiene los minutos que se merece y se lo cargan en los diez primeros minutos de peli (de una forma totalmente chapucera, ver para creer). En su lugar, aparecen personajes de la trilogía original como Galadriel o Elrond en una trama paralela que a mi modo de ver aporta poco a la trama principal y apenas presenta coherencia. Todo esto acompañado de unos efectos especiales que de tan especiales parecen sacados de un videojuego. Incluso los personajes de carne y hueso se ven antinaturales. Que se lo pregunten a Legolas. En ESDLA los orcos eran actores disfrazados, mientras que aquí son un ejército de clones generados por un ordenador. Y a pesar de contar con menos medios, ESDLA se sentía mil veces más real que su precuela.

Aragorn sufre con tus tontadas, PJ

El guión y la historia brillan por su ausencia. Con diálogos sencillitos para salir del paso, quedan atrás las frases memorables de ESDLA (y de las primeras del Hobbit si me apuras). No hay sentimiento ni diálogos que no hayamos oído antes en otras películas. Además, se hacen constantes guiños a ESDLA, no sé si con la intención de hacer reaccionar a los fans de la trilogía o qué. Pero estos guiños descarados parecen casi una burla. Vete a buscar a Trancos, le dice Thranduil a Legolas, que tengo la sensación de que va a ser importante en el futuro. Su nombre deberás averiguarlo tú mismo. Anda ya, Peter.

Y cuando digo que a esta película le falta sentimiento lo digo en serio. Esta tendría que haber sido la película más emocional de las tres, pues cuenta con todos los elementos. El Jackson de ESDLA habría sabido emocionarnos. Este Jackson... ¿de verdad lo intentó? Con unas muertes frías y sin emoción, vemos a la línea de Durin desaparecer. Yo llevaba tiempo esperando a ver esto, quería saber qué habrían inventado para darles un final digno. Y qué decepción me llevé. Qué gran decepción. Thorin se pasa la pelea contra Azog haciendo que el espectador se replantee su inteligencia y habilidad como guerrero. Kili muere en un número digno de Romeo y Julieta. Y Fili... Bueno, todo el mundo se olvida de él. Para qué vamos a honrar al que iba a ser el herededor de Thorin.

Lo único que puedo salvar de esta película son los créditos con la preciosa canción de Billy Boyd y esos dibujos de los personajes al estilo de El retorno del rey. El resto puede arder en el infierno. Y Jackson con él.

En definitiva, soy una fan que se siente completamente estafada y decepcionada. Estamos ante una cáscara vacía y sin alma, ante una película que no debería haber existido. No tiene esa encanto de las anteriores ni te hace sentir la nostalgia por la Tierra Media. Es un barco a la deriva que hace aguas por todas partes. Nunca llegará al Oeste.

[Ni siquiera soy capaz de dar una puntuación a toda la trilogía. Tendréis que perdonarme]

Ahora, si me disculpáis, me voy a llorar a un rincón mientras me pongo El señor de los anillos para recordar los días de gloria y quitarme el disgusto que llevo encima.

Interstellar (2014)

Título: Interstellar
Año: 2014
País: Estados Unidos
Director: Christopher Nolan
Reparto: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, David Gyasi, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Matt Damon, Michael Caine, John Lithgow, Casey Affleck, Timothée Chalamet, Wes Bentley, Ellen Burstyn, Topher Grace, David Oyelowo, Collette Wolfe, Leah Cairns
Género: Ciencia ficción. Drama. Aventuras | Aventura espacial. Futuro postapocalíptico. Viajes en el tiempo

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprenden un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

Ficha técnica de filmaffinity

Nolan, Christopher Nolan

¿Conoces a mi amigo Ted Christopher Nolan? Esta podría ser una buena pregunta para meternos en materia. Todos hemos oído hablar alguna vez de este director de cine y seguro que más de uno ha visto una película suya sin saber que era suya (a mí me pasó, sin ir más lejos). Pero adonde quería llegar es que Nolan es uno de los directores de cine más aclamados de los últimos años y sus películas no suelen dejar indiferente a nadie. Es por eso que fui con ganas a ver Interstellar (y eso que no tenía muy claro de qué iba la película).

Interstellar me ha parecido una película muy ambiciosa (y peligrosa). La mayor parte de su trama se basa en suposiciones. La teoría de la relatividad todavía es eso, una teoría. Utilizarla como pilar central para realizar una película de estas características es algo muy arriesgado, porque se puede meter la pata en cualquier momento. Pero se nota que Nolan se rodeó de entendidos en el tema y trató de ser lo más fiel posible a la realidad. No voy a negar que a partir de cierto momento de la película se nota que supusieron demasiado. Pero de algún modo tenían que resolver el lío, así que usaron una salida que les convenía. El resto de la película está verdaderamente bien llevado, creedme. Puede que en algún momento nos perdamos en las explicaciones llenas de tecnicismos (que si los agujeros de gusano, horizontes de sucesos, etc, etc), pero la mayor parte de la película se entiende aunque no seamos unos duchos en física cuántica.

El único problema que le vi a la película es que fue muy larga. Casi tres horas de clase de física condensada. Hacedme caso, id al baño antes de entrar en la sala del cine. Si no, no hay vuelta atrás. Porque una vez empieza la película, es muy difícil encontrar un momento adecuado para ausentarse. Puede bastar con que te pierdas un diálogo para que después no entiendas por qué pasa tal o cual cosa. Y ya que hablamos de los diálogos, me parecieron muy buenos en general.

Por todo lo dicho anteriormente, podríamos decir que el punto fuerte de esta cinta es el componente de ciencia-ficción (por llamarlo de algún modo) que tiene, pero no sería del todo cierto porque aquí también se juega mucho con el sentimentalismo. Vemos a Cooper, interpretrado por Matthew McConaughey, el piloto que ha de llevar a cabo la misión junto con otros escogidos, en una lucha interna entre lo que debe y lo que quiere hacer, debatiéndose entre volver a ver a sus hijos o hacer lo correcto para salvar a la humanidad, es decir, elegir entre el individuo o la especie. De hecho, no es el único al que se le presenta esta disyuntiva y lo bueno de Interstellar es que se ven muy bien reflejados estos conflictos morales, así como la esperanza y las dudas de los personajes principales. Claro, luego están algunos secundarios que parecen puestos para tocar un poco las narices (como el hermano de Murph).

En definitiva, esta es una película donde se sabe mezclar el entretenimiento puro y duro con la ciencia con la esperanza de que el espectador salga de cine comiéndose la cabeza y buscando explicaciones imposibles. Además, los efectos visuales son un espectáculo para la vista. Todas las visiones del espacio parecen muy reales, igual que esos planetas que visitan. Por último, no podemos obviar que la BSO ha corrido a cargo del gran Hans Zimmer (ya sabéis que yo a este hombre lo tengo en un pedestal). Contundente, jugando con los silencios tan horribles del espacio, haciendo dar botes al espectador en el momento adecuado.

Así que si os preguntáis si yo recomiendo ir a ver esta peli, la respuesta es sí. Pero hacedme caso. Id al baño antes. Y pensad que vais a McConaughey en uno de sus mejores papeles.

"Antes mirábamos hacia arriba soñando con qué lugar ocuparíamos entre las estrellas."

Cómo entrenar a tu dragón (1 y 2)

¡He vuelto! Tras unos cuantos días desaparecida, aquí me tenéis de vuelta con...

Título: Cómo entrenar a tu dragón 2 
Título original: How to train your dragon 2
Año: 2014
País: Estados Unidos
Director: Dean DeBlois
Reparto: Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Craig Ferguson, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, Kristen Wiig, T.J. Miller
Género: Animación. Fantástico. Aventuras | Amistad. Cine épico. Vikingos. Dragones. 3-D. Secuela

Han pasado cinco años desde los sucesos que llevaron a Hipo a conseguir entrenar a su dragón, rompiendo la estela de su pueblo vikingo de cazarlos. Astrid y el resto de la pandilla han conseguido que la isla tome contacto con un nuevo deporte: las carreras de dragones. Mientras realizan una carrera, atraviesan los cielos llegando a territorios inhóspitos, donde nadie antes ha estado. Explorando nuevos mundos, el viaje les lleva a descubrir una cueva recubierta de hielo que resulta ser el hogar de cientos de nuevos dragones salvajes, protegidos por un misterioso guardián. Hipo y los suyos deberán unirse al guardián para proteger a los dragones de las fuerzas malignas que quieren acabar con ellos.

 (Ficha técnica de Filmaffinity)

Si queréis mi opinión, Cómo entrenar a tu dragón me parece de las mejores (si no la mejor) películas de animación de los últimos años. Y vale, puede que no esté siendo muy imparcial (¿cuándo una reseña mía lo es?), pero creo que tiene todos los ingredientes para convertirse en uno de los clásicos de la animación.

La primera parte se estrenó en el año 2010. No contó con muy buena recepción al principio, pero conforme fueron pasando las semanas fue escalando puestos hasta convertirse en la tercera película más taquillera de la historia de Dreamworks Animation. Este mes se acaba de estrenar la segunda parte en España y se espera que la tercera (y última de momento) se estrene en 2016. Está inspirada en la saga de libros del mismo nombre de Cressida Cowell, aunque por lo que tengo entendido comparten nombre y poco más.

Vi la primera película hará cosa de seis meses y, aunque ya llevaba expectativas bastante altas, me sorprendió gratamente. Tengo que admitir que en un principio el nombre de la película me echaba para atrás (ni siquiera sé por qué, creo que mi sexto sentido está atrofiado), pero en cuanto empecé a verla me enamoré. ¿Qué fue lo que tanto me gustó? No sabría decirlo con exactitud.

Pero antes de entrar al tajo, quiero aclarar una cosa. Esta es una película de animación, pero no por eso es sólo para niños. No comparto para nada esa creencia de que todo lo que es de dibujos sea para el público infantil. De hecho, creo que muchas películas "infantiles" no las terminas de entender hasta que eres mayor y ves todo con más... perspectiva, por llamarlo de algún modo. No miento cuando digo que fui a ver Cómo entrenar a tu dragón 2 al cine con un grupo de amigos, todos rondando la veintena, y nos lo pasamos mejor que los propios niños a los que en teoría va dirigida la película.

Bien, aclarado este punto, volvemos a CEATD (voy a abreviar, si no os importa). En esta primera entrega conocemos a Hiccup (o Hipo en español), un joven vikingo que no termina de encajar en su poblado. Es pequeño, apenas tiene fuerza y... no mata dragones. Claro, en un lugar donde la principal actividad familiar es cazar dragones, parece que Hiccup lo va a pasar mal. Pero gracias a esos "defectos" consigue lograr lo que ningún otro vikingo ha logrado hasta entonces: entablar amistad con un dragón. Todo esto refuerza el principal mensaje de la película: uno tiene que aceptarse tal y como es, no tiene que tratar de convertirse en algo que no es por mucho que los demás se empeñen en ello. Todos tenemos algo especial que no tiene por qué ser igual al del resto de la gente. Así hasta el padre más cabezón y barbudo se dará cuenta de su error.

El Barbas

 La historia no sería ni de lejos la misma si no fuera por los personajes. Cada uno tiene su personalidad y su forma de actuar con más o menos esteriotipos, que es algo que se mantiene a lo largo de la historia y que le da coherencia. Pero es en CEATD2 cuando vemos a muchos de ellos desarrollarse y conseguimos entender su transfondo. El ejemplo más claro que me viene a la mente es el de Estoico, al que conocemos mejor en esta segunda parte. Además, Hiccup también crece y se encuentra con que no sabe quién es, el típico dilema que suelen tener los héroes de vez en cuando. Esta película es un viaje en el que él se descubre a sí mismo y se convierte en... Bueno, os veis la peli y descubrís en qué se convierte. Además, esta segunda parte se vuelve más oscura que la primera con una trama un poco más ambiciosa y algo más dramática. Quizá el antagonista es lo más flojo de la película, junto con cierto personaje femenino y sus explicaciones, pero no por ello la película flojea.

Mmmm... ¿Princesa Mononoke punk?

Pasando al apartado técnico, vemos cómo mejora muchísimo la calidad de la animación de una parte a otra. La primera era excepcional, pero desde la primera a la segunda ha mejorado la tecnología de la animación y eso se nota. Aumenta la definición y los detalles. Que si un brillito por aquí, que si la textura de esa chaqueta es esta o aquella, que si hay que diferenciar los pelos de Hiccup... En fin, un regalo para la vista. Todo esto se nota en los paisajes y en las escenas de vuelo. Hay momentos en los que ni te acuerdas de que es una película hecha por ordenador. Y ni siquiera se fueron a Nueva Zelanda a grabar.

En resumidas cuentas, la película cuenta con una historia entrañable y unos personajes a los que se les coge cariño sin darse cuenta. Mezcla humor, entretenimiento, ¡dragones! Y es apta para todos los públicos. Y cuando digo todos, es todos.

PD: ¿Soy la única que pensó en El Rey León en algunas escenas de CEATD2?

Bajo la misma estrella (2014)

Título: Bajo la misma estrella
Título original: The fault in our stars
Año: 2014
País: Estados Unidos
Director: Josh Boone
Reparto: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell, Willem Dafoe
Género: Romance. Drama | Drama romántico. Enfermedad. Adolescencia

A Hazel y a Gus les gustaría tener vidas más corrientes. Algunos dirían que no han nacido con estrella, que su mundo es injusto. Hazel y Gus son solo adolescentes, pero si algo les ha enseñado el cáncer que ambos padecen es que no hay tiempo para lamentaciones, porque, nos guste o no, solo existe el hoy y el ahora. Y por ello, con la intención de hacer realidad el mayor deseo de Hazel - conocer a su escritor favorito -, cruzarán juntos el Atlántico para vivir una aventura contrarreloj, tan catártica como desgarradora. Destino: Amsterdam, el lugar donde reside el enigmático y malhumorado escritor, la única persona que tal vez pueda ayudarles a ordenar las piezas del enorme puzle del que forman parte.

Ficha técnica de Filmaffinity. Sinopsis de eCartelera.

No me voy a extender mucho con la reseña de la película porque ya hablé del libro en su momento y me parece que sería repetir todo el rato lo mismo.

La película es muy, muy fiel al libro. Como ya dije en su momento, creo que Bajo la misma estrella tiene una historia, escenas, diálogos, etc. que encajan muy bien para el guión de una película y que, por tanto, no sería necesario hacer grandes modificaciones a la hora de filmar. Me alegro de que haya sido así. La inmensa mayoría de diálogos y escenas están cogidos tal cual del libro. También me alegro de que no hayan caído en el melodrama porque la verdad es que esta historia si no se trata bien puede convertirse rápidamente en un romance empalagoso y cursi.

Se han tenido que saltar algunas cosas, sobre todo personajes. No me han parecido cambios muy relevantes y teniendo en cuenta que la película contaba con un presupuesto de unos 12 millones de dólares (lo cual es poquísimo en la industria del cine) entiendo que lo hayan hecho. Lo único que no metieron y que me habría gustado que saliera o que al menos mencionaran es, y cuidado si no te has leído el libro, lo de la anterior novia de Gus. No sé si se lo saltaron para no darle más drama a la historia o por el problema dicho anteriormente del presupuesto.

De los actores principales no tengo pegas. Me parece que tanto Shailene Woodley (Hazel Grace) como Ansel Elgort (Augustus Waters) han sabido captar la esencia de los personajes que encarnan, muchas veces con pequeños detalles como sonrisas, gestos o miradas. Nat Wolff también me gustó mucho, me parece el perfecto Isaac. Pero tampoco puede decirlo de forma categórica, pues en España se siguen doblando las películas (cosa que me fastidia mucho, por cierto) y con eso se pierde una parte importante de la labor del actor: la voz. Así que dejémoslo en un parece que actúan bien.

Tengo que admitir que Hazel me ha gustado más en la película que en el libro. El problema que le veo a las historias con narradores en primera persona es que, por muy que te caiga el personaje (como era el caso), puede llegar el momento en que haga, piense o diga algo que fastidie un poco la imagen del personaje. Digamos que es más fácil cometer errores. En cambio, en la película no hay tanto peligro, y quizá por eso me gustó más.

En fin, creo que cualquiera que haya disfrutado con el libro no se sentirá decepcionado con la película. Como dije con el libro, es una historia bonita, pero la crudeza de la vida también está retratada en ella.

PD: Llevad pañuelos. Yo no lloré, pero estuve rodeada de gente que sí.

Entrevista con el vampiro (1994)

Título: Entrevista con el vampiro
Título original: Interview with the vampire
Año: 1994
País: Estado Unidos
Director: Neil Jordan
Reparto: Brad Pitt, Tom Cruise, Kirsten Dunst, Antonio Banderas, Christian Slater, Stephen Rea
Género: Terror. Fantástico. Drama | Vampiros. Siglo XVIII. Siglo XIX

Cuando lo desea, el vampiro Lestat convierte a sus víctimas en vampiros, concediéndoles así el don de la inmortalidad. A finales del siglo XVIII, Lestat convierte en vampiro a Louis de Pointe, un hombre desolado por la pérdida de su esposa y de su pequeña hija. Doscientos años más tarde, a finales del siglo XX, en San Francisco, Louis decide contar su historia, la historia de amor, terror y éxtasis de un vampiro, a un joven reportero, Daniel Malloy.

Vale, a ver cómo abordo yo esta película. Me ha parecido muy buena en muchos aspectos, no tan buena en otros. Es una película que hay que ver con ganas y, en algunos momentos, con paciencia. No se caracteriza por una acción trepidante. Después de todo, el protagonista es un vampiro atormentado que nos cuenta su vida. La carga psicológica tiene que ser por fuerza la que más peso tenga.

No llegué a terminar el libro, en el que me quedé cuando Louis y Claudia empiezan a buscar a sus congéneres por Europa, así que no puedo decir si han hecho una buena o mala adaptación. Pero al menos de la primera parte de la película, aunque se toman bastantes libertades, creo no está mal. Por supuesto, no es igual y se saltan muchas escenas, además de que no consigue profundizar tanto (aunque sí queden bien reflejados) en los dilemas morales de Louis, pero en mi opinión consiguen mantener la esencia del libro.

La ambientación está muy lograda, igual que el vestuario y la música. Todo esto ayuda a crear un ambiente oscuro y, para qué negarlo, romántico. Los vampiros están condenados a la inmortalidad, sí, pero también gozan de una juventud eterna. Son unos seres que viven en la noche y sólo pueden sobrevivir matando a humanos. Esto le da a la historia (tanto en el libro como en la peli) un toque prohibido, pecaminoso y llamativo.

De lo que no voy a hablar es de la caracterización de los personajes, pues no me acuerdo muy bien de cómo se los describe en el libro. Sin embargo, me parece que tanto Lestat como Louis y Claudia (sobre todo esta última) son más o menos como me los imaginaba. No llegué a la parte de Armand, pero por los comentarios que he visto, se ve que no se lucieron mucho con él.

Algo falla aquí.

También se juega bastante con el homoerotismo vampírico, un clásico dentro del género, sobre todo entre Lestat y Louis, aunque también entre Louis y Armand. La sexualidad también está muy presente. Sólo hay que ver las escenas en las que los vampiros muerden a la gente (que pone cara de completo placer, por cierto) en zonas con ciertas implicaciones como son el cuello, la muñeca o el pecho. Yo lo siento, pero me llegan a morder así y no pondría esa cara precisamente.



Antonio Superstar, próximamente en los mejores teatros.

No tengo quejas de los actores. Si tuviera que destacar a alguno, sería a Kirsten Dunst, que con los once-doce años que tenía cuando se rodó la película, deja a la altura del betún a más de uno. En serio, me quedé con la boca abierta con su interpretación de Claudia.

El que no terminó de convencerme fue Armand. Una de las principales pegas que he leído es que Banderas sobreactúa demasiado. Y qué queréis que os diga, para mí todo el mundo en esta película exagera y teatraliza todo, y ese es uno de sus encantos. No, mi problema con Banderas es que después de tanto tiempo no me lo podía tomar en serio con ese largo pelo negro y esas capas dignas de Ramón García.

Como toda película que se precie tiene momentos algo rarillos. ¿Tengo que mencionar a Lestat bailando con un cadáver o conduciendo un descapotable mientras la cámara se aleja lentamente? ¿O los antinaturales rizos de Claudia? Pero bueno, como digo siempre, cosas peores se han visto.

En fin, no es mala película. Sirve para adentrarse un poco en el mundillo de los malditos y ver que el vampirismo no es tan edulcorado, perfecto y deseable como nos lo pintan en cierta saga de vampiros bastante conocida por todos. Pero como decía antes, hay que saber a lo que se enfrenta uno antes de darle al play: es un vampiro contando sus memorias. Por eso en algún momento se puede hacer algo lenta o incluso aburrida para el espectador. A mí me ha gustado lo suficiente para volver a querer leer los libros de Anne Rice.

X-Men: Días del futuro pasado (2014)

Título: X-Men: Días del futuro pasado
Título original: X-Men: Days of Future Past
Año: 2014
País: Estado Unidos
Director: Bryan Singer
Reparto: Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Ian McKellen, Patrick Stewart, Ellen Page, Shawn Ashmore, Omar Sy, Peter Dinklage, Evan Peters, Halle Berry, Lucas Till, Daniel Cudmore, Booboo Stewart, Bingbing Fan, Adan Canto, Josh Helman, Larry Day, Amelia Giovanni, Gregg Lowe, Evan Jonigkeit, Mark Camacho, Laurence Belcher, Morgan Lily, Brian Cox, Famke Janssen, Anna Paquin, James Marsden, Kelsey Grammer, Brendan Pedder
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela. Viajes en el tiempo

En X-MEN: DÍAS DEL FUTURO PASADO, los X-Men luchan por la supervivencia de la especie en una guerra que se desarrolla en épocas diferentes. Los personajes de la trilogía cinematográfica original de “X-Men” unen sus fuerzas a las que ellos mismos poseían en el pasado, cuando eran más jóvenes –tal y como aparecen en “X-Men: Primera generación”–, para cambiar un importante acontecimiento histórico y librar una épica batalla que podría salvar nuestro futuro.

Ficha técnica de Filmaffinity.

Las películas de superhéroes nunca han sido mi fuerte. Me parecen entretenidas, con sus momentos para partirse de risa y sus momentos emotivos (en los que muchas veces crees que el héroe ha muerto pero después aparece entre cantos de ángeles) o de tensión. Son más visuales que otra cosa y sus tramas son simplonas como ellas solas.

Dentro de este mundillo de hombres cachas y mujeres sexys mi historia de superhéroes preferida ha sido siempre X-Men. Por eso fui a ver esta película con ganas, sobre todo después de haber oído buenas críticas y adorar el reparto. Y para resumir, decir que la película me ha encantado es quedarse cortos.

Para empezar, abandona esa trama recurrente del villano que ansía dominar y/o destruir el mundo por encima de todas las cosas. ¿Por qué lo hace? Pues porque adora el sufrimiento, la destrucción y los gatos pelados, digo yo. Esas cosas no se preguntan. En cambio, en esta película la trama está muchísimo más currada. Los superhéroes son los perseguidos y los que se encuentran al borde de la extinción por culpa de los humanos. Son los que idean un plan para volver al pasado y evitar que los humanos desarrollen ese algo que amenaza con eliminarlos como especie. Cuando la Fox dice que es la mejor película de superhéroes creada hasta la fecha no lo dice para pescar a los incautos (bueno, vale, sí), pero es que tiene bastante razón. Es una buenísima película de superhéroes. Seguramente no la mejor, pero sí de las mejores.

Sí, los viajes al pasado no son nada nuevo. Pero a mí me encantan. Y por todos es bien sabido que, como uno no se ande con cuidado, una historia con viajes en el tiempo puede tener más lagunas e incongruencias que la coartada de Harry Potter cuando lo encuentran fuera de la cama por la noche. Pero en esta película han sabido plantear todo bastante bien e incluso han sabido arreglar esos desajustes que se han ido dando a lo largo de la franquicia.

Además han sabido juntar personajes de la trilogía original con los nuevos de la primera generación. Eso sí, los personajes del pasado (Charles Xavier, Magneto, Mística y el atemporal Lobezno) son los que han tenido mayor protagonismo y han llevado la carga narrativa de la película. James McAvoy y Michael Fassbender están espectaculares. McAvoy es quien protagoniza las escenas más emotivas con sus dudas y su miedo, mientras que Fassbender lidera las escenas más épicas e impactantes. ¿A cuántas personas habéis visto llevarse un estadio de beisbol volando? ¿Eh, eh? Pero sin duda el personaje más importante de la película es Mística, a quien da vida Jennifer Lawrence. Es la que mantiene la tensión de la trama y la única de la que verdaderamente importa lo que haga y lo que no. Por último, hay que mencionar a Bolivar Trask, ese personaje que cuando todo el mundo lo ve dice MIRA, ES TYRION. O en su defecto Mira, es el enano putero de Juego de Tronos. Es el principal antagonista, pero no es un malo que quiera cargarse a todo bicho viviente por el gusto de hacerlo. Cree que lo que hace es lo correcto y en él se aprecia esa moralidad dudosa que últimamente está en auge y que intenta replantear si el fin justifica los medios.

Magneto: "Pos me llevo el estadio."

Como no podía ser de otra manera, se nota que la película ha contado con un grandísimo presupuesto. Los efectos especiales son espectaculares. Las escenas del futuro (aunque me parece que se han pasado demasiado con la evolución tecnológica en menos de cincuenta años), las de Mercurio correteando por ahí (la escena de la cocina es una de las mejores), las de Magneto... Todas en general son un regalo para la vista.

En cuanto al final, nadie me va a convencer de que esto no es un inmenso fan fic. Es la única explicación posible. No sé si en el cómic pasa así, pero desde luego me parece una apuesta muy arriesgada (y brillante, al menos para mí) de acabar una película aunque te quedes con el WTF? en la cara. ¿Anular casi todas las películas anteriores y montar un futuro alternativo? Why not. Fanfiction está lleno de estas cosas.

Resumiendo, he disfrutado muchísimo con esta película. Los efectos son impactantes, la trama está trabajadísima y los actores se lucen. No todas las películas de superhéroes tienen que ser planas (¡Por fin!). Creo que con esto Marvel vuelve a recuperar un poco de la dignidad perdida.

Le pongo un cinco no porque sea la mejor película de la historia. Tiene sus fallos y algunas cosas que se quedan sin explicar (como que Charles y Erik en el futuro colaboren mano a mano cuando antes se llevaban a matar). Pero hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto con una película. Me ha mantenido pegada a la butaca del cine y eso es algo que últimamente no muchas películas consiguen. Por eso...

 

PD: Siendo como es una peli de Marvel, quedaos hasta el final de los créditos, no seáis impacientes.

El último samurai (2003)

Título: El último samurai 
Año: 2003 
País: Estados Unidos 
Director: Edward Zwick 
Reparto: Tom Cruise, Ken Watanabe, Billy Connolly, Tony Goldwyn, Timothy Spall, Koyuki, Masato Harada, Togo Igawa, William Atherton, Seizo Fukumoto, Scott Wilson, Shun Sugata, Hiroyuki Sanada, Shin Koyamada, Masashi Odate 
Género: Aventuras. Acción | Japón feudal. Siglo XIX. Samuráis. Ninjas. Cine épico

1876. El capitán Nathan Algren es un hombre que vive atormentado por los recuerdos de la Guerra Civil (1861-1865) y de las campañas contra los indios, en las que participó arriesgando su vida; pero, desde entonces, el mundo ha cambiado radicalmente: el pragmatismo ha reemplazado al valor, el interés personal ha ocupado el lugar del sacrificio, y el sentido del honor ha desaparecido. En un país muy lejano, otro soldado ve también cómo su modo de vida está a punto de desintegrarse. Es Katsumoto, el último líder de un antiguo linaje de guerreros, los venerados samuráis, que dedicaron sus vidas a servir al emperador y a preservar el espíritu de la milenaria cultura japonesa.

Ficha técnica sacada de Filmaffinity.

A pesar de que El último samurai está basado en hechos históricos, no hay que tomárselo más allá de lo que es: una película. Se inspira en la historia, pero en ningún momento trata de reproducirla. Para empezar, Katsumoto no se llamaba Katsumoto, sino Saigo Takamori. No hubo ningún americano sin ningún objetivo en la vida que acabase luchando con katana casi mejor que los nativos. Tampoco se reunieron un día los dos ejércitos enemigos para darse de tortas, sino que estuvieron unos cuantos días (o meses) más. Y no eran trescientos samurais mal contados, sino cincuenta mil.

Voy a poneros un poco de contexto para situarnos en la película, pero os lo podéis saltar si queréis.

Saigo Takamori fue un samurai gracias al cual el emperador Mutsu Hito ganó la guerra Boshin. La guerra se desencadenó porque el emperador decidió quitarle el poder al shogun. Pero a Tokugawa Yoshinubo, miembro del shogun, no le sentó nada bien, así que decidió ir por la vía diplomática y atacar Kyoto, que era donde el emperador tenía su sede. Para resumir os diré que Saigo consiguió que Edo, ciudad donde se había replegado Tokugawa tras perder en Kyoto, cayera bajo el poder del emperador. A partir de ese momento, Edo pasó a llamarse Tokyo, que creo que ya nos suena un poco más a todos. Hay que recordar que estaban al inicio de la Revolución Meiji y Japón trataba tímidamente de modernizarse, abandonar algunas viejas costumbres medievales y adoptar otras más abiertas y progresistas.

Saigo pasó a ser consejero del emperador. Sin embargo, él tenía en mente proyectos para que Japón se extendiera como imperio que pasaban por conquistar Corea, entre otros territorios. Pero el emperador denegó su propuesta, de modo que Saigo se cabreó y volvió a su pueblo natal. La cosa no acabó ahí, pues con las reformas que estaba haciendo el emperador los samurai empezaron a perder privilegios y comenzó a haber levantamientos. La revolución más importante fue la de Saigo, que capitaneó una marcha hacia Tokyo seguido de unos 50000 samurais igual de descontentos que él. Esta revolución se conoce como la Rebelión de Satsuda.

Las fuerzas imperiales, compuestas por campesinos que tuvieron que iniciar un servicio militar obligatorio (una de las reformas del emperador), les vapulearon. Al final Saigo se practicó el seppuku y un amigo suyo lo decapitó a la usanza de los samurais. Años después, visto el aprecio que le tenía el pueblo japonés, el gobierno perdonó sus acciones. Así acabó la historia de Saigo, considerado el último samurai. Como véis la versión real dista un poco de la de la película.
 

Aquí acaba la sesión de historia, lo juro.

No nos vamos a engañar: el tema de la película es bastante convencional. El extranjero que llega a una cultura que no es la suya, donde todo el mundo le odia al principio, y acaba enamorándose de esa nueva forma de vida y de su gente es algo que ya hemos visto en varias ocasiones. Por poner un ejemplo reciente, tenemos Avatar de James Cameron. Pero no creo que eso deba ser un impedimento a la hora de ver esta película. Se pueden sacar grandes historias de temas aparentemente poco originales.

Ya dije también que, aunque es una película histórica, la historia en sí la dejan un poco de lado. Idealizan la figura de los samurái y su forma de vida y pintan la modernización como si fuera el Coco. Pero no me voy a quejar de eso. Me gustó muchísimo ese ambiente de paz espiritual del pueblo, así como todos esos conceptos japoneses que se dejan ver como la vida, la muerte, el honor y la deshonra.

También tengo que destacar la ambientación de la película y el vestuario. Eso sí, aunque el vestuario esté genial, los trajes que llevan los samurai eran el último grito trescientos años antes de la era Meiji, allá por el siglo XVI. De hecho, Saigo llevó a la batalla un traje militar de estilo francés. Pero no podemos negar que esos trajes típicos samurai quedan mucho más vistosos y cinematográficos.

En cuanto a los actores,  Ken Watanabe me encantó y me dejó sin palabras. Su interpretación hizo que se convirtiera en uno de mis actores favoritos. En su personaje, Katsumoto, se resumen los principios que debían regir la vida de un buen samurai: compromiso, lealtad al emperador, honor, además de la filosofía japonesa que sale a relucir en las conversaciones que mantenían Algren y él. En mi opinión, esas escenas son oro puro.

Nathan Algren, nunca despeinado, nunca roto.

Tom Cruise encarna al otro personaje principal, Nathan Algren, el americano metido no se sabe muy bien cómo en una revuelta samurai. No entiendo por qué la gente se queja tanto de este actor. En esta película me parece que hace un papel más que satisfactorio. Aquí volvemos al prototípico personaje hollywoodiense, el inmortal que por más katanazos, balazos y palos que reciba seguirá fresco como una rosa. El que con apenas un año de entrenamiento saldrá con un C2 en el manejo de la katana, en japonés y un máster en filosofía samurai. ¿Y qué? Cosas mucho peores se han visto en el cine. Lo único que me escamó fue esa escena final con el Emperador en el que le ofrece su vida. Una cosa es aprender de los samurais y querer mantener viva su memoria y otra es fliparse demasiado. Lo siento, Nathan, ahí te pasaste. Eso sí, se sabe de casos de occidentales a los que aceptaron como samurais, así que esto no es del todo raro.

No he dicho nada del romance, pero me gusta que haya sido tan suave y silencioso (y nunca mejor dicho. ¿Algren y Taka cruzan más de tres frases seguidas en toda la película?). Con una mirada se lo decían todo.

En fin, creo que es una buena película. Tiene sus partes de batalla (muy bien logradas y épicas, por cierto), unos personajes que despiertan simpatía y una increíble BSO de un inspiradísimo Hans Zimmer. Sirve para hacerse una idea del Japón del siglo XIX y es muy recomendable para cualquiera al que le guste este país. Pero repito que no hay que tomárselo más allá de lo que es: una película.

El gran hotel Budapest (2014)

Tras unas cuantas estrepitosas visitas al cine de las que no salí del todo satisfecha, este jueves pude ver una película por la que no me importaría volver a pagar: El gran hotel Budapest. Y encima en versión original. Una especie de paraíso para los amantes de la VO, os lo digo yo.

Soy consciente de que esta película ha recibido tanto buenísimas críticas como críticas que la ponen a parir verde. Yo soy de las que se decantan por las buenísimas críticas. En esta reseña trataré de explicaros por qué y de convenceros para que la veáis.

Título: El gran hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel)

Año: 2014

País: Estados Unidos

Director: Wes Anderson

Reparto: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Jude Law, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Owen Wilson, Léa Seydoux, Giselda Volodi, Bob Balaban, Florian Lukas, Karl Markovics, Volker Michalowski, Fisher Stevens, Wallace Wolodarsky, Waris Ahluwalia.

Género: Comedia | Años 30. Años 60

Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.

(Ficha técnica sacada de Filmaffinity)

 A ver, por dónde empiezo. Esta es una película complicada. Es rara, es muy visual, es divertida. Cuando la ves anunciada por primera vez en la tele piensas Tengo que ver eso. Semejante ida de olla no puede quedarse sin ver. Y efectivamente, es una ida de olla que te hará reir una y otra vez. Puede que, además de lo raro que pinta el anuncio, el que sea una película de Wes Anderson te incite a verla. En mi caso no fue así, pues nunca antes había visto una película de este señor. Ya sabéis, el director de Moonrise Kingdom o Fantástico Mr. Fox. Sí, ese que cuando lo buscas en Google Images te esperas que sea cualquier cosa menos director de cine.

 Este director, que ha hecho unas siete películas en casi veinte años, suele rodearse de los mismos actores para hacer sus películas. Caras como las de Owen Wilson, Bill Murray o Edward Norton se repiten una y otra vez. Supongo que con los actores le pasa como con el Cola Cao, que no quiere que se los cambien.

 La historia es un flashback dentro de otro flashback, un poco como las matrioskas rusas. Una chica empieza a leer un libro llamado El gran hotel Budapest. En él, el autor del libro recuerda cuando fue al hotel Budapest, que por aquella época andaba un poco de capa caída, y conoció al dueño del hotel, que a su vez se puso a contarle la historia del hotel y cómo él había acabado siendo el dueño desde sus inicios como botones aka lobby boy.

Pero por supuesto, no habría llegado a tanto si Monsieur Gustave (Voldemort con nariz y pelo), el conserje del hotel allá por los años 30, no le hubiera acogido bajo su tutela y le hubiera enseñado los trucos del oficio.

A lo largo de la película veremos que este personaje es bastante... peculiar.  Tal vez el rasgo que más llame la atención sobre él sea que se acuesta con sus huéspedes octogenarias. De hecho, el lío empieza cuando una de ellas le deja en herencia el Niño con manzana, un cuadro renacentista de valor incalculable que todo el mundo en su familia quiere para sí (como Gollum, básicamente). Ya veréis que Madame D, la adorable viejecita y Bruja Blanca en Narnia (Tilda Swinton), tenía una familia de armas tomar. Sobre todo quiero destacar a Dimitri, interpretado por un genial Adrien Brody, que dejó su piano de la Segunda Guerra Mundial (El pianista, 2002) para convertirse en el único heredero de esta mujer con más dinero que la banca del Monopoly. Dimitri, como todo hijo de vecino, quería íntegramente la herencia de su madre, cuadro incluido, y no descansará hasta lograrlo. Todo lo que envuelve al asunto de la herencia de esta mujer es bastante turbio, y no ayuda para nada el hecho de que hiciera casi 200 modificaciones del testamento original y que la última modificación, y más importante, estuviera perdida.

En un principio puede sonar bastante típico. Y sí, reconozco que el tema de las herencias en el cine está más que mascado, pero creedme cuando os digo que el tema principal de la cinta podría haber sido la reproducción del mejillón y haber sido genial. La herencia y el robo del cuadro están tratados con muchísimo humor y situaciones que rozan lo absurdo y que pueden llegar a recordar a los dibujos animados por lo brusco (y a veces disparatado) de algunas escenas.

Sólo tengo que advertir que no es una historia coral, que es lo que puede parecer al ver alguno de los tráilers. Los personajes principales son monsieur Gustave y Zero, aunque no por ello el resto de personajes deja de estar bien definido, desde Jopling (Willen Dafoe), el acólito de Dimitri y encargado de hacer el trabajo sucio, hasta Agatha (Saoirse Ronan o niña repelente de Expiación), la enamorada de Zero.

Por eso y por mucho más os recomiendo ir a verla. Hacía mucho que no me reía tanto con una película. No podía apartar los ojos de la pantalla porque en cualquier momento podía pasar cualquier cosa. Eso sí, si tenéis la oportunidad, vedla en VO, merece la pena.

PD: Aquí os dejo el tráiler.